ACCUSEFIVE 告五人・WE ARE 不將就

X：告五人[RUN, RUN, RUN! 黑夜狂奔] 2025 LIVE TOUR THE WORLD 跑了非常多城市，明年也持續演出，從開始到現在心情的轉變？
A：這次回到LIVE HOUSE，對告五人來說不僅是一場演出，更像是一趟回家的旅程。LIVE HOUSE是我們誕生的地方，那裡承載著最初的夢想與聲音。還記得今年四月在高雄世運主場館完成那場盛大的演唱會後，我們萌生了一個念頭——要先回到最初開始的舞台，從起點再度出發，再一步步唱回世運。這樣的循環不只是我們的節奏，也是一種與歌迷一同成長的象徵。

新專輯發行後的八月，巡迴首場選在宜蘭高中，對我們來說別具意義。那是三年前曾經演出的地方，如今回到這個熟悉的舞台，心境卻已截然不同。經歷過大型舞台的磨練，我們在整體演出上更加游刃有餘，這次更邀請到黃中岳老師擔任音樂總監，讓節目內容更緊密、層次更豐富。過程中能感受到自己的成長，也重新體會到音樂最初的純粹力量。

說實話，宜蘭場開唱前還是有些緊張，從萬人大舞台回到近距離的LIVE HOUSE，重新面對與觀眾只有幾步之遙的距離，一開始難免擔心，但真正踏上舞台後，那種壓力瞬間消散，取而代之的是熟悉的節奏與熱度，沒有華麗的燈光與攝影機，只有音樂本身與彼此的呼吸。當全場的歌迷放聲合唱，尤其是連新歌都能一字不差地唱出來時，那份安全感與感動難以形容。

對我們來說，近距離交流是音樂最真實、最有溫度的樣貌。從第一場開始到現在，我們都被那份能量包圍著。每一個聲音、每一次合唱，都像是在提醒我們：這就是告五人最初想做的事——用音樂陪大家一起成長，一起走得更遠。接下來，我們也將把這份感動帶向世界，繞一圈，再唱回來。

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X： 當演出規模從LIVE HOUSE到體育場，有大有小，如何讓每一場都保持獨特？曾為哪個城市客製過特別的橋段？
A： 小巨蛋或世運主場館大型演出時距離感是非常明顯的，最遠的觀眾幾乎看不清我們的表情，只能透過攝影機才能看到我們。所以在每場開演之前，我們會在台上仔細確認攝影機的動線與角度——一方面要避免干擾，另一方面也希望每個畫面都能呈現出我們想讓觀眾感受到的樣子。我們有特別去學習如何面對鏡頭、如何在畫面中找到最合適的角度與表情，一種以科技介入的舞台連結，讓我們能在遠距離中仍保持互動的溫度。

但回到小場，完全是另一種體驗。當你站在舞台上，能清楚看到每一張臉、每一個眼神，甚至有人正低頭、有人正要開口合唱——那是一種極近距離的樂趣。有時候我們才剛準備開口，台下的觀眾就已經搶先唱出來；有時我們在台上比個手勢、做個小動作，整場就會跟著起反應。這樣的互動，帶來的是更直接的交流。

大場有大場的壯闊與成就感——燈光、煙火、無人機，還有數萬人同聲合唱的震撼，那種比例之美讓人嚮往；小場的魅力，則在於那份私密與自由。就像一場溫柔的派對，彼此的距離近到可以直接問觀眾：「今天晚上開心嗎？」，那一刻，我們不僅是表演者，更是和大家一起玩音樂、一起呼吸的朋友。

有趣的是，經歷過大型巡演的訓練後，再回到這樣的近距離演出，心情不自覺的放鬆自在。舞台上的我們不再拘謹，話也變多了（笑）。歌迷也常說，他們特別喜歡我們在小場的「亂聊模式」，因為那時彼此就像老朋友那樣。

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音樂，是「我們」一起唱、一起完成一場演出

X： 隨著越來越多人喜歡上告五人，這一路的演出，在編曲、聲音、燈光或節奏上，有經過重新設計或調整嗎？
A：我們希望每座城市都能有自己的模樣，比如舞台後方的視訊畫面會依據當地的文化或特色去調整，讓每場演出都能貼合那座城市的氛圍與情感，這樣的設計讓觀眾一走進場，便能體會「這場只屬於我們這裡」的心意。

每一場結束後，音樂總監黃中岳老師都會立即給我們演出的回饋，常常是一 下台後或是抵達機場，就會聽到他說:「同學們，我們花兩分鐘來聊一下…」 那是非常誠實且信任的狀態，他總會立刻指出細節問題和提醒下一場應該注 意的節奏與表現，這段過程對我們的成長幫助很大，雖然他的兩分鐘永遠不 只是兩分鐘(笑)。

決定邀請黃中岳老師加入團隊就像是《灌籃高手》「總教頭」級的安西教練加入一樣，他的角色不只是音樂總監，而是幫助我們找到屬於告五人的模式。尤其在連續多場的小型演出中，他提醒我們如何調整心態、保持專注，把自己完全交給音樂。

外界常會關心我們不會覺得疲憊嗎？同一首歌唱這麼多次不會膩嗎？但對我們來說，每一場的現場表演其實都不一樣。我們喜歡讓音樂在每次的互動中「長出新樣子」，也許是一段即興的編曲，也許是臨場的氛圍變化。即使是流行歌曲，我們也會在其中加入一些不同的「FU」——一點自由的流動，一點現場的即時回饋，在原有基礎上不斷加入想法、讓作品有呼吸的過程，正是對音樂最深的熱愛，每一場演出都是設計過的，也永遠帶著即興與靈魂，或許就是告五人最嚮往的方向。

我們會看社群上大家對於演出的回饋，無論是限動、貼文、影片，只要有人 TAG 告五人，幾乎都會看到，不論是讚美、建議，或是中肯的回饋，都願意去理解。畢竟每個觀眾對演出的感受都不同，而我們希望能從這些角度看看有哪些地方是可以被參考、被調整的。

印象很深的一次有歌迷提到：「雖然在LIVE HOUSE看表演臨場感很強，但如果對歌詞不夠熟，就無法一起合唱，參與感會降低。」這讓我們意識到，「參與感」其實是告五人演唱會很重要的核心之一，希望觀眾不是在「看一場表演」，而是「一起完成一場演出」。

從那之後著

手調整舞台設計，即便是在LIVE HOUSE這樣近距離的場地，仍會在兩側加上大型字幕機，那並不是為了我們自己，而是為了觀眾。而這次巡演，我們希望每個人都能盡情地唱、盡情地表達情緒，而不是因為記不清歌詞而被卡住。我們甚至特別要求字幕要夠大、夠清楚，讓每個人都能毫無負擔地參與其中。對我們來說，這

樣的細節不只是技術調整，而是一種共感循環和回應，音樂從來不只是我們在唱，而是「我們」一起。

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「你是你自己的禮物，你自己的光。」

X：團員如果憑直覺，選一首歌裡的一段歌詞表達這趟狂奔旅程，會是？
A：我們發現自己在這次巡演中，不斷重複著〈黑夜狂奔〉裡那句歌詞——「你是你自己的禮物，你自己的光」它幾乎成了我們彼此的提醒，也是一種信念。這一路以來愈來愈深刻地體會到「自我認可」的重要，或許這就是我們在製作第四張專輯過程中，真正學到的一堂人生課。

愛自己有很多方式，也沒有固定答案。它可能是放過自己的柔軟、是願意面對的勇氣、也是對自己誠實的溫柔，希望在不同的人生階段、不同的心情裡，我們都能記得這一點——你不需要被定義，也不需要去迎合誰，只要相信自己本身就足夠。

因此每場演出結束時，我們常對觀眾說：「當你覺得自己一個人上班、一個人上學、一個人回家——那種一個人感到孤單的時候，不用害怕。請記得，有人曾經告訴過你，你是你自己的禮物，你自己的光。」這不是表演台詞，而是真心想傳遞的訊息，在每一段奔跑的黑夜裡，我們都希望大家能相信：你永遠有光，並且光來自於你自己。

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像水一樣，自由、柔韌，卻又充滿力量

X：如果聲音有具體形狀，會怎麼描述告五人的樣貌型態？
A：我們喜歡的東西很多很多，也因此顯得有點善變，所以要形容告五人的狀態，或許是「水」吧！水才是最貼切的形容，水沒有固定的形體，卻能流進任何容器。無論在哪個地方、哪個舞台上，它都能找到自己的樣子。我們希望自己也是那樣——在不同環境中保有彈性，讓音樂自然流動。

水有柔軟，也有張力；它能包容，也能衝破。那種特質就像我們的創作與演出，在溫柔與力量之間自由轉換。我們不特別執著於某一種「形狀」，因為某方面也意味著被限制，我們期待能一直用聲音當作水流，注入每一個不同的場館與城市，每座城市的表演空間都是新的容器。站上舞台，音樂隨著空間的共鳴而改變形狀，是流動的狀態——不被定義、不被框架，只專注於感受與連結。「像水一樣，自由、柔韌，卻又充滿力量」應該這麼說。

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不會有重複的漸層、「應該」要喜歡黑色、自在的白色

X： 如果是顏色呢？你們三人覺得自己各自內心的會是什麼色彩？
A：（雲安）腦中第一個浮現的畫面是漸層、是暈染，上面佈滿許多顏色，深淺不一、排列自由，那些色彩對我來說非常療癒，每天天氣、溫度、濕度和那天的心情、所在地、要做的事情成為各種顏色的變化，它們總是不會有重複。

（犬青）以前唸服裝設計的時候，曾以為自己「應該」要喜歡黑色，因為那樣很酷、很時尚。可是真正進入生活後才發現黑色並不屬於我。我喜歡更多東西、更多色彩，好比是街邊鐵皮屋被曬出來的色調——雖然不完美卻真實又動人，讓我感到快樂。我可能也偏愛「漸層」吧！顏色有來回、有深有淺，有伸縮的空間，它允許極端，也包容平靜。就像每天的心情——即使在看似相同的日常裡，每一次上班、下班、吃飯或表演，因為天氣或遇到的人不同，都會微妙地改變。我們的生活也是這樣。即使每週演唱的曲目相同，但每次的情緒、狀態都不一樣。有時候是對自己的挑戰，有時候則是能量的釋放。當我們在舞台上有更強的張力，那份色彩也會延續到觀眾身上，成為他們的情緒共鳴。

（哲謙）我想我會說是「白色」——帶著光亮感的一種明亮狀態。它乾淨、通透，不是空白，而是可以容納所有顏色的底，那樣的感覺讓我覺得自在，也讓我相信自己仍在不斷變化的過程裡，持續有光。

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要相信自己，不是否定過去所有的經驗

X：今年在倫敦完成《我們就像那些要命的傻瓜》，最初你們想在這張專輯裡「證明」的是什麼？又有沒有哪個製作是你們覺得可以再創造第二版本的？
A：那段錄音的經驗，其實對我們來說心裡蠻重的。剛踏進ABBEY ROAD STUDIOS的時候，第一個感覺是「渺小」。一個如此神聖的地方，充滿無數前輩留下的聲音與能量，讓人會不自覺地生出一點自卑——覺得我們是不是還不夠格或還沒準備好站在這裡。那種不安感在一開始特別強烈。

但隨著錄音進行，突然體悟：我們其實也正在做一件很棒的事。那一刻，心裡像被打開一樣，原本的緊繃和懷疑被取代成一種擴大的力量。開始告訴自己——你要在這裡待兩個禮拜，不能一直懷疑自己。「你們不是一張白紙來到這裡，而是帶著這幾年一路走來、經過無數磨練與累積的自己來到這裡。應該要相信自己，不是否定過去所有的經驗。」這樣的轉變，對我們意義非常深。特別是這次身兼製作人，必須掌握無數細節與方向。在過程中，「自我肯定」這件事情，我們有非常深刻的體會。

不同編曲版本的歌曲，像是〈帶我去找夜生活〉，這首歌有好幾個版本，從最初到現在，大概已經經歷了四、五次不同的改編，〈愛在夏天〉這首歌也有好幾個版本，很常演出的時候在舞台上彼此對看，問說：「欸，現在到底是哪一個版本？」連我們自己都要先確認一下（笑）。歌迷也早已見怪不怪，有時甚至根本不管版本是哪一個，只要氣氛對了，就跟著一起唱。

我們一直都是「以現場的感覺為優先」。有些橋段演著演著，就會覺得「這裡好像可以多加點什麼」——可能是一段新的和聲、一段即興的鼓點，或是臨時改動的一句旋律。偶爾回去聽串流版本，反而會覺得陌生，很像在聽新歌，因為現場演的版本早已和錄音室版本不太一樣了。

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告五人就像一個平穩的三角形，在同個頻率上共創的快樂是最大的成就感

X：這張專輯的比以往更直接衝撞、情緒卻更含蓄，你們怎麼拿捏「理性結構」和「感性能量」之間的平衡？能不能舉例專輯中的一首歌，說說編曲是怎麼讓情緒被聽見的？
A：我們三個的組合就像一個平穩的三角形：謙哥在鼓上很理性，能把整體的節奏與結構規劃得很穩，像是支撐這個三角形的底邊；吉他與Vocal則是負責把情感整個「倒出去」——真的是用「倒」的，把所有感性都釋放到空氣裡，彼此形成了一種奇妙的平衡：既能互相支撐，又不斷有能量在裡面迸發。再加上我們是男女聲雙主唱，聲音的互動就能激盪出更多層次與情緒的獨有化學反應。

編曲的過程也沒有「誰主導誰跟隨」，一首歌通常從氛圍開始，先去抓那首歌想傳遞的情緒和畫面，而編曲自然會沿著那個感覺出現。通常是旋律先出來，有個初步的「模型」，接著再交給團員一起細雕，這時候彼此回饋都非常重要，因為那往往是讓作品變得立體的關鍵。

最有趣的是，我們彼此總能給出真誠又獨到的回應。有人開玩笑說我們的討論像「三明治理論」——中間夾著很多情緒，但外層永遠包著讚美（笑）。有時候彼此會被對方的創作打動，比如某首歌一出來，就覺得那畫面感太強、太有故事感。如果在過程中遇到卡關，我們也不會太執著，我們跟很多有才華的編曲老師合作，他們會帶來全新的想法和聲音。對我們而言，音樂是要「一起玩」，不論團員之間和製作、編曲團隊，在同一個頻率上共創的快樂就是最大的成就感。

我們從來不會為了市場去設計「市場想聽的歌」，因為真正能決定一首歌能不能被聽見的，永遠是聽眾。市場從來不屬於創作者，它屬於人。所以選擇專注在做自己喜歡的音樂，讓真誠去吸引共鳴。這次在Abbey Road Studios錄音經驗讓我們信念更加堅定，當你專注在自己熱愛的事上，那份真心就會被感受到，一直保持初心：開心地創作，誠實地唱。

 

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「將錯就錯」之後，事情卻反而變成對的

X： 歌名〈將錯就對〉是在什麼情況下決定的？在你們的過去和現在，有什麼是「將錯就對」的經驗或故事嗎？
A：這首歌一開始的概念其實就很明確——我想寫一個「大命題」。主題定下來的瞬間，我腦中浮現的是一句中文——「將錯就錯」。這個詞對很有趣，有點像一個語言上的BUG。照字面意思，它其實是「反著的」，應該表示「錯上加錯」，但現實裡有時候我們「將錯就錯」之後，事情卻反而變成對的。是不是代表，其實有時候「錯」的選擇，也能通往對的結果？是不是也該反過來想——所謂的「對」，可能只是暫時的、未完成的「錯」？

喜歡這樣的語意曖昧，它讓人有空間去想像，人生很多時候就是這樣：你以為是錯誤的路，走著走著，卻帶你抵達了該去的地方。所以「將錯就對」不只是歌名，而是一種新的態度——去擁抱那些看似出錯的片刻，因為或許正是命運給的燦爛方向。

生活中好像沒有那麼「將錯就對」的例子，有「超乎預期」的例子，像〈給你一瓶魔法藥水〉這首歌就是。這首歌一開始完全是誤打誤撞，當時全球正值疫情高峰，大家被困在各自的城市裡，空氣裡都瀰漫著一種壓抑與不確定。那時接到這個PROJECT，心情反而想得很單純——就讓它天馬行空一點吧！我們討論著：「如果能有一扇門，可以帶我們逃離地球、去外太空玩多好。」於是就開始寫一首「很好笑、很可愛、很自由」的歌。沒想到，這份隨性的想法，竟成了一首廣為人知的作品。

沒人預料到〈給你一瓶魔法藥水〉的流量會高成那樣，一天之內的點擊數飆到幾億時，心裡的第一個反應其實不是驚喜，而是「這怎麼可能？」——它完全超出我們的想像。但或許就是這樣，有時候越單純的念頭，越能直達人心，原本只是想帶給大家一點笑、一點輕鬆，結果卻在那個時代裡，變成了某種安慰、一種出口。

 

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讓彼此那個「想做的百分比」自然上升到80%

X：音樂的分工合作之外，你們在彼此之間又是扮演什麼樣的角色？
A：我們三個其實都滿「屁」的（笑）。大家會關心我們，從媒體到爸媽都愛問——「你們這樣一起工作，都不會吵架嗎？」每次聽到這個問題，我們都忍不住笑出來，因為說真的，誰工作會一直吵架啊？要一直吵根本太累了吧（笑）。

偶爾會有不同意見，但那不太像「吵」，比較像「討論」或「互相推動」。我們甚至會反過來問其他樂團的朋友：「那你們都吵什麼啊？」然後他們也會回：「那你們又為什麼不吵？」大概就是這樣一種彼此好奇的狀態。至於理性與感性的分工，我們三個剛好平衡得很好。如果要做一件新的事情，我們會先各自評估「意願值」——比如一開始可能只有20%的信心，接著討論、交換想法，慢慢提升到50%、70%，最後三個人達到80%就會開始行動。這是我們團隊的默契：沒有人一開始就非要說服誰，而是透過對話讓彼此那個「想做的百分比」自然上升。所以不用靠爭執我們就能前進，彼此都夠了解，也都知道對方不是在否定，而是在讓事情變得更好，我想這是我們能一路走到的關鍵，當然，也有例外的時候，就是在選擇晚餐，謙哥永遠第一順位是要吃鍋燒意麵或是某一家的乾麵！

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是一種感謝，感謝所有在平凡裡努力著的人

X： 去年拿下金曲年度歌曲的〈又到天黑〉，現在回頭看這首歌的成功，你們覺得真正的關鍵在哪裡？
A：  當入圍「年度歌曲」時，心裡非常敬佩每一首同樣入圍的作品，每一首都很棒、都承載著屬於它的意義。

這首歌其實誕生得很單純。靈感來自我家附近的超商的一家人：爸爸上夜班、媽媽早班，小孩則在放學後到店裡幫忙。看著他們輪班、交替、彼此依靠的樣子，就把我們帶到我們剛出道或是還沒有成為「告五人」之前的狀態。那時候得到「年度歌曲」的榮譽時，老實說，心裡的肯定其實沒有那麼多，更多的是一種感謝——感謝評審、也感謝所有在平凡裡努力著的人。對我們而言，那首歌像心裡最柔軟的一塊，把這一塊拿出去，並不是每一種「柔軟」都會被接受，那段時間也有不同的聲音出現，我們都有看見。但現在想起來，又會覺得「嗯！好像也沒有怎麼樣！」過了就過了，那個柔軟還在，那塊柔軟永遠都會被我們看見，是我們滿執著的地方。

 

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不糾結「要不要當主流」

X： 你們怎麼定義「告五人式的主流」？當實驗變成市場接受的主流後，你們還會想挑戰的界線是什麼？
A：我覺得我們很幸運，剛好橫跨了幾個時代的轉變——從卡帶的尾聲，到實體唱片的全盛與退潮，再到現在的串流時代。串流的出現帶來了「分眾」，這是一件很棒的事，因為每個人都能聽到更多元的音樂。所以，或許現在其實已經沒有「主流」或「非主流」這種界線。在某個人眼中被歸類為小眾的音樂，卻有上百萬人每個月在聽，那它真的小眾嗎？資訊的發達也改變所謂主流、非主流，已經比較少再這樣區分了。

以前人們會爭論「誰的音樂比較有品味」，但我們後來覺得——當一首歌能被這麼多人喜歡，它本身就有它的價值。這個世界願意給它那麼高的回饋，這就是一種高度。與其否定，不如承認那份被喜愛的力量。曾經想過：「如果今天有五個人喜歡你的歌，你會開心嗎？」當然會。那如果變成一萬個人呢？不是更值得開心嗎？所以當別人說「你的歌太口水、太芭樂」，我們反而不會生氣——能讓那麼多人一起唱、一起記得，這件事本身就很美。我們認為，主流不是外界賦予的標籤，而是你心中的頻率。如果照著自己心中的節奏、唱出真正相信的東西，那就是你的主流。從更大的角度看，音樂的世界本就多樣，支撐整個音樂文化結構的，不只有流行音樂，還包括演奏類、各種語系、不同文化背景的創作，那些作品共同構成了這個時代的聲音，去聆聽真正喜歡的聲音，是比較重要的。

至於「還有什麼想嘗試但尚未實現的音樂類型」？有，現在的歌曲很多都越來越短，我們其實不太喜歡那樣子。對我們而言，一首歌是一個完整的故事，不可能一開頭就直接說「他被殺了」，那故事就完全不成立了（笑）。我會認真的翻譯每一首歌寫的中文詞的結構、或是各種語言翻成中文的結構，所以我很在意每一首歌故事敘事是否完整。當製作人最難的地方，是知道「什麼時候該停」。我們三個人各自的節不同，有人會先衝、有人會想再雕，但這種差異反而讓作品更豐富，不糾結「要不要當主流」，而是專注在更重要的問題—這首歌，好不好聽？這個故事，有沒有說完？

談到音樂風格，我們剛出道的時候，也幻想過要做迷幻樂團，讓整場演出沉浸在空氣和氛圍裡，結果真的上台之後，才發現自己完全憋不住——因為太想講話（笑）。

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所有的甘苦、掙扎、沒說出口的秘密，都要誠實地記錄下來

X： 把《我們就像那些要命的傻瓜》想像成一部電影，各自會選哪首歌放在片頭、故事重要轉折與片尾？
A：  其實當初在排整張專輯的曲序時，我們真的就是照「電影」的概念在思考。這張作品對我們來說，就像是一部關於自己的傳記，每一首歌都是一個片段、一個場景，紀錄我們這幾年的掙扎與喜悅，甚至在英國錄音的時候就開玩笑說：「以後七十歲的時候，要把這些都拍成傳記電影！」——所有的甘苦、掙扎、那些我們沒說出口的秘密，都要誠實地記錄下來。因為音樂對我們來說，不只是作品，而是一部還在進行中的人生電影，我想這個模式也會持續下去。

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讓人相信、真的熱愛那個故事

X： 為電影《有病才會喜歡你》創作的歌曲〈我天生－有病版〉，是首次入圍第62屆金馬獎的「最佳原創電影歌曲」獎項，它的過程中最印象深刻的是？
A：一開始片方先給我們劇本，讓我們試著構想一首主題曲。於是我們先準備了一首歌，後來主動提出想看看電影畫面，所以片方邀請我們到公司看初剪。燈一暗下，大家一邊看、一邊沉進去。結束時，我轉頭想開口討論，結果看到片方的人哭得唏哩嘩啦，那一幕讓我印象很深——因為那不是一種「合作的商業反應」，而是一種真心的共鳴。她的眼淚代表她真的相信、真的熱愛那個故事。

我們還驚呼：「欸，這不是我們家附近嗎？」結果真的是在我們家隔幾條街的咖啡店拍攝，有種熟悉感的微妙也讓情緒更深了一層。

我們不是單純「寫歌給你」，而是為影劇客製化、跟影像一起呼吸，這對很多創作者來說是一個挑戰。我們很喜歡看電影、看劇，對情節、節奏、氛圍都特別敏感，每當討論編曲、詞與演唱方式時，我們會不斷比較、對照，直到整體情緒真正吻合，所以看完初剪，一幕幕真實的影像去感受演員眼神裡的情緒，連字幕都沒有，那個感受會很完整。

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這只是要提供情感的架構，讓每個人都能找到自己的版本

X：有評論你們歌曲的詞，覺得好像不夠既定的文字美感，你們怎麼看待？
A：我們其實看過很多關於歌曲的評論，有趣的事情是大家對歌詞有不同解釋，有些人提出說我們在寫「輪迴」、寫「佛」；也有人接著再問怎麼會有人這樣解釋輪迴？馬上就會看到有趣的評論。

我們從不急著糾正，我們只提供一個情感的架構，讓每個人都能在裡面找到自己的版本。那種討論的多元與包容，反而讓歌曲的生命更長。當然，創作者心裡還是會有那份「孤高感」——那種「你不懂，但我懂我在寫什麼」的堅持（笑）。

不過，現場的力量常常會讓一切變得簡單。每當演出時，台下觀眾最用力唱的，永遠是那一句——無論別人怎麼批評，那個瞬間就已經說明了一切。像那句「佔據你的手機記憶體」，一開始也讓很多人困惑，但就是我們很真實的感受。在演唱會上，看著滿場的手機錄影、拍照，我們突然覺得——能被放進誰的手機記憶體裡，是一件很榮幸的事，因為那代表這一刻、這首歌、這段畫面，都被珍藏起來。有聽到一種說法：「其實他們拿手機拍，不是因為不喜歡，而是太喜歡、太想留下紀錄。」

 

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像在「黑夜散步」，方向都是朝有燈光的舞台

X：告五人正在「瘋狂奔跑」，好奇在即將展開的2026年，會是以什麼樣的模樣前進？
A：繼續狂奔！好像從來沒真的停下來過。每一年、每一場巡迴、每一次和歌迷相遇，都是在手刀奔跑，以樂團的身分、以創作者的姿態，在不同城市唱自己的歌。每當站上舞台，看到台下成千上萬的人跟著唱，心裡都會有一種榮譽感。我們去過很多地方，發現聽華語歌的人其實非常多，在異地的共鳴會讓人突然覺得：「啊，唱中文真的很酷。」在陌生的城市，讓世界各地的人一起合唱，真的蠻爽的。

如果不用「狂奔」來形容，那就「黑夜散步」吧。但不管是奔跑還是散步，方向都一樣。我們或許沒有一直用力往前衝，但我們一直在走、一直在經歷。有時候停下來回頭看，才發現——原來這一路已經走了那麼遠，也經歷了那麼多，過往看似荒謬的事，如今卻成了養分。對於告五人，只要音樂還在、只要舞台還亮著，我們就會繼續走下去。

 

 

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宜蘭一個學校的體育館，一份熟悉又新奇的歡樂過程

X： 在你們腦海裡最深刻的一場出演？
A：  每一場都不太一樣，真的太多故事可以講了。如果要選之最，我們會選宜蘭，是因為那只是個學校的體育館，但當我們走進去時，製作團隊把它打造成認不出來的樣子，比上一次還更精緻。每個地方都很不同，但如果要選之最的話，我們選擇家鄉，因為家鄉本來就沒有LIVE HOUSE，是我們去搭造出來的。

而且宜蘭場還發生了最「另類」的畫面（笑）。因為不想單純的邀請大家穿制服，所以鼓勵大家穿扮成出沒在學校的人，因此有人打扮成打飯阿姨、體育老師、中文老師，還有學生穿泳帽、泳褲登場，甚至有人扛著籃球框、籃板來，現場整個像是開了一場超創意的萬聖節派對，搞得我們邊唱邊笑，有種「回家開派對」的感覺——我們都在想，既然做過兩次了，那是不是該挑戰第三次？一樣在宜蘭，一樣是家鄉，卻又是另一份熟悉又新奇的歡樂過程。

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X： 不設限的「表演」，除了音樂之外，還可能或想嘗試的出演型態或是往演員發展？
A： 我們其實很享受音樂表演帶來的自由感，演唱會的聲光效果、煙火、無人機，我們都玩過，下一次可能可以朝著PARTY、嘉年華的方向去。至於「演戲」這件事，倒不是沒興趣，而是覺得——要把一件事做好已經很不容易了。我們都明白，音樂是我們生命裡的根。從最早開始練鼓、練吉他、寫歌，到現在二十幾年，不是說不可能嘗試，而是背後要付出的時間很多。我們最重要的基底是音樂本身，其他事情可能是加分項，音樂才是我們最重要的，嘗試其他的可能，或許以後會試試看，但都還是會以音樂為主軸去做鋪墊。

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X： 一句話形容告五人與音樂作品存在的意義！
A：  回想起當初只是做一張EP、寫幾首自己喜歡的歌，從沒想過有一天會唱進小巨蛋、甚至更大的舞台。那時候只是單純地覺得：「做音樂這件事，真的讓人快樂。」沒想到一做，就這樣一路走到現在。對未來，我們其實仍然覺得未知，但未知並不可怕，反而讓我們保持著一種順流而行的心態——兵來將擋，水來土掩。不管前方是什麼樣的挑戰，我們都會試著把每件事做好。我們越來越清楚一件事，「告五人」並不只是屬於我們三個人，它來自整個團隊——從妝髮、企劃到宣傳，每個人都在用自己的時間與熱情，投入這段旅程。還有那些每一場都來、每一首都唱的歌迷。因為有這麼多人，把他們的生命片段放進了告五人的音樂裡，這件事讓我們感到一種更大的責任，也是一種深深的感恩，如果一定要用一句話來形容「告五人」的意義，我們希望是——「你放心上，我也放心上的存在。」我們確實是這樣在做：把「告五人」放在心上，也感謝所有人願意同樣把我們放在心裡，這是雙向的、是我們所珍惜在想一直守護的事。

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